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Woody Allen

Un año sí y otro también. Hasta ahora, tenemos la suerte de disfrutar de un director ya clásico, que nos regala una media de película por año y cuyo nivel creativo está en una buena forma envidiable.

Demos marcha atrás, ¿cuál fue el último film de Woody Allen que no nos gustó? Uno tiene sus preferencias, claro, para mí no es lo mismo “Desmontando a Harry” (1997) que “Celebrity” (1998), una es obra mayor, la otra, de las muchas comedias de Allen que te divierten y les encuentras el punto interesante según el caso. Todas ellas tienen características en común -la autoría que diríamos muchos- y estas van desde la temática del intelectual judío obseso de la psiquiatría, la disección de los círculos intelectuales de New York, las relaciones de pareja o las dudas creativas del artista, hasta el ánimo que segregan casi todos los films de Allen, como es la voluntad de buscar nuevos métodos estéticos (blanco y negro, cámara en mano…) para subrayar los temas de siempre, de variar la receta con nuevas especias para obtener el mismo y sabroso cocido.

Woody Allen nace bajo el nombre de Allen Stewart Konigsberg, en 1935. No tardó en mostrar sus dotes como guionista cómico, y en su juventud, se une al programa de escritores de la NBC, donde contribuye a programas como “The Colgate comedy hour”. Más tarde, daría el gran paso de entrar en el mundo de los stand-up comedians (actualmente, con “El club de la comedia”, tratan de poner de moda en España este estilo de monólogos), escribiendo gags para cómicos como Herb Shriner.

En el año 1960, empieza a adquirir fama como stand-up comedian. El público lo acepta y le ríe todas sus ocurrencias. Woody empezará a construir en los campus universitarios americanos y los clubes del Greenwich Village de New York donde actúa, su personaje histriónico, hipocondríaco y paranoico.

A finales de los sesenta, escribe piezas de teatro en Broadway, destacando “Play it again Sam”, cuya temática de la dualidad entre fantasía y realidad (el personaje protagonista invoca al Humphrey Bogart de “Casablanca”) se hará muy común en su filmografía y, además, trasladará esa obra teatral al celuloide, en la película protagonizada por Diane Keaton en 1972 y escrita por él mismo. Será en 1969, cuando Woody Allen dirija un guión propio que había ofrecido antes al director británico Val Guest, y a Jerry Lewis. La película se llamará “Toma el dinero y corre”, y resulta satisfactoria por cuanto posee algunas de las constantes de su autor, pero la verdad es que no llega a combinar del todo bien la trama con su envoltura de documental.

La primera mitad de los años setenta tienen dos constantes básicas. La primera, la relación sentimental y profesional entre Woody y Diane Keaton, protagonista de la mayor parte de sus films de la época, y la segunda constante es la locura y el caos que muestran films como “El dormilón” (1973), o “La última noche de Boris Grushenko” (1975), repletos de laboriosos gags visuales, y personajes sometidos a una carrera de slapstick surrealista que, aunque provoca la risa, no traspasa ninguna capa expresiva que no sea la de la comedia más desternillante. Eso ocurrirá hasta 1977, año en que la carrera de Woody Allen da un giro total cuando dirige “Annie Hall”, un film lleno de sofisticaciones narrativas (guiños de los personajes a la cámara incluidos), de guión –escritor por el propio Woody y Marshall Brickman- complejo, con discurso y comedia a partes iguales, y la fotografía de uno de los habituales del cine de Allen, Gordon Willis. En referencia a esto último, el cine de Woody tiene otra importante particularidad, esta vez, detrás de la cámara. Las piezas importantes de su equipo técnico son siempre las mismas, y Woody ha trabajado muchísimos años con Gordon Willis o Carlo di Palma (fotografía), Santo Loquasto (dirección de arte), Susan E. Morse (montaje) o la producción de Robert Greenhunt. Después de “Annie Hall”, la siguiente obra mayor del director llega con una sinfonía de Gershwin, un blanco y negro de ensueño, Woody y Diane Keaton sentados ante el puente de Brooklyn, la bella Mariel Hemingway y un título, “Manhattan,” del año 1979, el film más mítico de su autor.

Entrados los años ochenta, Mia Farrow sustituye a Diane Keaton en el corazón y las películas de Woody Allen. El director no tarda en firmar otra maravilla, “Zelig” (1983) un mock documentary (falso documental) que nos presenta al fascinante Zelig, interpretado por el propio Allen, un hombre lleno de miedos que tiene la capacidad de transformarse físicamente en lo que cree que la gente espera de él. Un film que vuelve a la tendencia que se iría incrementando con los años de experimentar en cada película con una estética, una técnica o un género determinado; en este caso son los felices años veinte en donde se desarrolla la acción, y las técnicas de efectos especiales para insertar a Zelig en imágenes de archivo de la época (base que se retomaría en “Forrest Gump”, de 1994).

“La rosa púrpura de El Cairo” (1985), o “Hannah y sus hermanas” (1986), Oscar al mejor guión -recordemos que “Annie Hall” ya había ganado cuatro estatuillas- son otros puntales de la década.

Después de rodar “Sombras y niebla” (1992), extraño artefacto de estética expresionista en la que John Cusak interpreta el papel habitual de Woody Allen, la relación del director con Mia Farrow entra en la violenta crisis que todos conocimos en su momento, y Woody responde con, a mi parecer, su mejor film, “Maridos y mujeres”, pesimista disección de la pareja (esa primera escena con el matrimonio de Judy Davis y Sidney Pollack anunciando su divorcio en una cena con la pareja aparentemente feliz Allen-Farrow). Aunque “Maridos y mujeres” es importante sobre todo por su estilo visual, presente en la mayoría de obras posteriores de Allen, con cámara en mano, mucho movimiento en el cuadro, zooms y cortes en la continuidad del montaje; todo para subrayar la violencia y la inestabilidad de los personajes.

“Misterioso asesinato en Manhattan” (1993), “Balas sobre Broadway” (1994), o “La maldición del escorpión de Jade” (2001), son algunas de las comedias con las que nos ha obsequiado Woody Allen en los últimos años, aunque su última obra de peso fuera “Desmontando a Harry” (1997), compendio de sus obsesiones y su estética, profunda a la vez que divertida, como lo fueron Manhattan o Hannah y sus hermanas.

Actualmente, Woody vive con Sonn Yi, la que fuera una de sus hijas adoptivas cuando compartía su vida con Mia Farrow, gira por sus ciudades favoritas con su banda de jazz cuando le pica el gusanillo, y recibe llamadas de las principales estrellas del cine actual, que rebajan sus sueldos con tal de mojarse la lengua con una o dos gotitas del prestigio que atesora este taxidermista de la sociedad urbana de su país.








...por Marc Monje ...por Marc Monje


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2 comentarios en Woody Allen

  1. Es un director que siempre me había costado visionar hasta que un día me llegó a las manos dos película de Woody Allen y todo cambió. Ahora veo sus películas con otra dimensión y particularmente las encuentro que son geniales.

    Le recomendaría a todo el mundo que un día revisaran una de esas películas de Woody Allen, con calma, y posiblemente redescubran uno de los mejores directores de la historia del cine.

  2. Aquí en Barcelona todo el mundo está pendiente del rodaje de Woody Allen. Creo que es un gran director y es una suerte que haya escogido Barcelona para su película.

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